SANS SOLEIL

febrero 23, 2009

Sans soleil es un documental que se mueve bajo el supuesto de que su contenido es parte de una serie de cartas que envía una persona a otra que se encuentra en París. Es un viaje que va principalmente entre dos culturas: Japón y Africa. El punto de vista es un tanto ilustrativo ya que es a través de ojos occidentales que observamos a estas dos culturas y finalmente, nosotros lo somos. No creo que exista un punto de  vista comparativo ya que es imposible comparar a dos culturas puesto que son completamente distintas. Pero al mismo tiempo, al presentarlas juntas no podemos evitar que se genere un contraste en nuestra cabeza. Así como no podemos evitar imaginar la relación entre los niños y lo aviones de guerra. El tono es algo importante en Sans soleil porque parece un observador distante: un cazador. Esto es lo que provoca impacto cuando vemos las cosas más de cerca. En esos momentos una emoción se dispara. La lejanía con lo que se ve todo, no deja de provocar una especie de tristeza y melancolía.

La voz en off es una parte importante del documental porque nos habla de lo que vemos y nos lo explica. También utiliza material de archivo en el caso de la muerte de la jirafa. La cámara al hombro también es una convención que nos refuerza la idea no sólo de documental sino de que lo que vemos es parte de las cartas que envía esta persona. Utiliza imágenes fijas, pero también una especie de imágenes electrónicas. La gente y locaciones reales son importantes por el enfoque del documental. Creo que estas convenciones van de acuerdo con las reglas del juego del documental y de su temática. Conforme avanza la película y no se esclarecen las dudas, tendemos a volvernos escépticos. Es decir, una mujer lee unas cartas sin ningún orden y nunca sabemos quién es. Las imágenes electrónicas hablan del creciente poder tecnológico de Japón, pero no sólo eso, se menciona unas no-personas y qué otra manera de retratarlas que con no-imágenes.

Son diversas las voces del documental. Se muestran japoneses pero con sus divisiones en pequeños grupos tanto por sus gustos, ideas o condición socioeconómica. También grupos étnicos de África, grupos militares en Cabo Verde, etc. Las voces están unidas como las ideas en la cabeza, en el fondo hay algo que las une aunque a primera impresión no lo parezca.

La estructura es como la del pensamiento que mencioné antes. Parece que se hubieran puesto todas las cartas sobre la mesa y se eligieran al azar el orden que van a seguir. Sin embargo, por lo bajo tienen un orden. El aparente azar en el orden de la película permite a Chris Marker saltar de un espacio a otro y crea una indefinición en la temporalidad, porlo que no sabemos que viaje hizo primero o si sigue en Japón y recuerda África o a la inversa.  Esto tiene que ver directamente con la edición ya que el montaje tiene que ver mucho con signos y sus significantes y de cómo se relacionan entre sí. Ya que la continuidad no es necesaria y las reglas le permiten saltar de espacio y tiempo, lo que queda es la imagen y su significado en relación con el resto. La edición es un elemento creaivo ya que uno de los temas es el espiral y la repetición del tiempo. En la edición esto se ve reflejado. La iluminación es natural y por lo menos no parece manipulada. La música del documental refuerza el dramatismo de ciertas imágenes pero principalmente te aleja del significado que podría tener una imagen al opacar totalmente su banda sonora original.

La temática es espiral. Habla de muchas cosas, de la memoria, del inconsciente colectivo, de la imposibilidad de entender a otras culturas, de las apariencias, la mirada. La memoria y el inconsciente colectivo van de la mano y de cómo funcionan. Marker recuerda la sensación de haber vivido todo antes y de estar sólo recordando a través de las imágenes lo que ya sabía. Es imposible para nosotros entender a las demás culturas porque se rodean de un pasado que aun no es opacado por el presente pero que al mismo tiempo adquiere nuevos signos y se reinterpreta a sí mismo.  La mirada es un eje fundamental en el sentido de cómo nos enseñan que no se debe mirar a la cámara pero que somos observador por la televisión y los espectaculares. Y que una mirada por breve que sea tiene un gran efecto. La mirada de la cámara es la bala que asesina a la jirafa. Si no existiera la cámara no existiría, por lo menos, mediaticamente, la muerte de la jirafa.Se diferencia del resto de los documentales ya que pone sus propias reglas. Chris Marker puede mentir si quiere para llegar a comunicar la verdad que necesita o plantear una pregunta.

El realizador no aparece en el documental pero se siente su presencia sobretodo en la parte del mercado en el que las mujeres se alejan de la cámara y hay una que lo mira directamente por una fracción de segundo. Mayoritariamente esconde su presencia del espectador por medio de otra persona pero siempre hay una sensación de su presencia aunque no sea activa.

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MIS CALLES

febrero 23, 2009

La idea de lo que grabé es principalmente hacer un recorrido por las casas en las que he vivido en la ciudad de México. Fue extraño pararme afuera de cada una mientras anochecía porque no sólo eran las casas, las calles también. Los fantasmas de la infancia que veía por las ventanas de esas casas parecen seguir ahí. También la extraña tranquilidad de la avenida principal. Creo que podría verse sin una intención fija o clara. Pero, ¿porque otra razón me interesarían casas tan distintas y quizá tan poco atractivas?

GUANAJUATO

febrero 22, 2009

Guanajuato

DIAL H I S T O R Y

febrero 7, 2009

Este es un documental basado primordialmente en material de archivo. Tiene un tono fársico creado por el montaje. Los sentimientos que provoca al público son algo parecido al arrepentimiento ya que nos reímos de las terribles imágenes que vemos y después sentimos cierto remordimiento. Esta lleno de ironías y sarcasmos para darnos a entender lo importante que se han vuelto los medios hoy en día y el papel que juegan. Los medios de comunicación se desenvuelven como una herramienta de manipulación y en una ayuda al terrorismo. Sin ellos, no sería posible que estos actos generaran la misma conmoción. Del mismo modo, impulsan a cada vez actos más terribles. Vemos en el documental cómo los primeros secuestros aéreos son muy inocentes, osea que no hay ninguna muerte. Después vemos toda la evolución y ahora pensamos en el terrorismo que existe, en el cual ya es relativamente comñun ver como una persona deshace 300 personas en ácido sin mucho revuelo. La insesibilización que provocan es cada vez peor lo que hace que los actos sean más terribles cada vez. Hay una comparación entre terroristas y novelistas. Antes los novelistas sembraban las ideas para que existiera una revolución y provocaban el escándalo con simples palabras. Ahora parece que la violencia es la única forma. Pienso que es porque es visual y por lo tanto más impactante que las palabras. Además los novelistas y pensadores ya han sido asimilados por la sociedad, reduciendo así, su impacto.

BERT HAANSTRA: GLAS & ZOO

febrero 5, 2009

Wim Huender aparece en ambos Glas y Zoo, se ocupa del sonido. Un sonido que va muy de la mano con el ritmo del documental. Incluso es parte del mismo montaje en Glas. En Glas podría decirse que es muy contemplativo, los planos cerrados a las manos y a los instrumentos. Sin embargo, también nos deja ver un contraste entre la fábrica y un proceso mucho más artesanal en el que los trabajadores van forjando objetos y, del otro lado la máquina que hace todo mucho más rápido pero que no se puede librar a sí misma de un atasco. En zoo, lo interesante del ángulo de las tomas es que los contracampos de las personas y de los animales siempre están detrás de las rejas. De esa forma no sabemos bien a bien quién está encerrado. Además genera similitudes entre los animales y los humanos: como los niños en la carreola y las aves en la carreta. Esta lleno de este tipo de cosas y por lo tanto es muy divertido. ¿Para qué ir al zoológico si los humanos somos igualmente raros y entretenidos? Glas también es divertido porque lleva un ritmo aceptable y los colores y la composición lo hacen más dinámico y entretenido.

MARTIN ARNOLD

febrero 5, 2009

Martin Arnold edita incansablemente el material que tiene. El sentido parece ser develar una verdad escondida detrás de ese poco metraje de película. Se dedica a poner sobre la mesa repetidas veces lo que nos están mostrando para que de esa forma veamos más allá de la superficie y nos empecemos a preguntar qué hay detrás de esas personas sonrientes que conforme avanza la película parecen cada vez más hipócritas. Si un documental invita a preguntarse cosas, creo que este lo hace y que además genera un efecto hipnótico. Tal efecto no es del tipo que te hace dormir sino que activa toda clase de hipótesis acerca de lo que está pasando. En passage a l’acte se vuelve mucho más agresivo debido a la sucesión rápida de los cortes.

JEAN PAINLEVE

febrero 5, 2009

Los documentales de Jean Painleve muestran a la ciencia de modos muy distintos. Incluso hoy en día, no se parecen en nada a los documentales de animales que se hacen. Painleve toma a la naturaleza muy de cerca y con narraciones que llevan el documental a otro nivel. Convierte a los animales que forman parte de nuestro mundo en monstruos que se comportan de manera extraña. Nos acerca a ellos  con el lente y nos muestra sus rituales. Gracias a sus documentales podemos ver procesos que nos tomaría mucho tiempo ver en tiempo real pero con acelerar el tiempo lo hace mucho más accesible.

REGEN

febrero 5, 2009

Esta es una sinfonía de ciudad muy distinta a las anteriores. Como  la de Vertov, cumple un ciclo, pero en este parece que es el ciclo en el que la lluvia inicia y termina. Las tomas mayoritariamente son picadas y contra picadas. Vemos a la ciudad y a la gente reflejados en los charcos de agua, en los coches mojados. Sus reacciones ante la lluvia. Es un documental muy contemplativo y de un ritmo mucho más lento a comparación del de Vertov. Es como si con el pretexto de la lluvia viéramos la ciudad.

MANHATTA

febrero 4, 2009

En comparación a Vertov, es un documental mucho más caduco. Se apoya en intertítulos que predisponen al público ante las imágenes que  preceden. Al inicio creí que el documental iba más o menos por la línea de Vertov, pero conforme fue avanzando, se mostraba mucho más distante. Ve las cosas desde ángulos picados y contrapicados mayoritariamente. El ritmo es más lento que creo que es correspondiente con otros fines: mostrar la ciudad. La gente parece que es parte de la ciudad porque son pequeños engranes que la hacen funcionar. Parte de el amalgamiento de acero y mármol que la compone. No parece que siga un orden cronológico o por lo menos no es tan claro, parece más un montaje de la ciudad en distintos momentos a pesar de que termine con un atardecer y que inicie con la llegada de la gente.

¿Propaganda? Tal vez, pero a primera vista no lo parece. Este documental es abumador por la cantidad de metáforas y analogías que posee. De ahí que no podamos verlo enteramente como propaganda. Vertov observa la ciudad desde el amanecer hasta el anochecer y en el camino educa a la sociedad acerca de lo que debe ser. Muestra a la gente despertando, trabajando, descansando y recreándose. Al mismo tiempo que hace esto, refuerza la idea de que el cine que hace está tomado directamente de la realidad.

Sin ambargo, Vertov también devela la posibilidad que tiene un cineasta de editar lo que ya ha filmado. Al mostrar esto se me ocurren un gran número de posibilidades que surgen a partir de esto. En primer lugar, el cine muestra únicamente lo que quiere que veamos, pero da la impresión de ser omnipresente. Todo lo ve y es capaz de controlar el tiempo. Al mostrarnos a Svilova manipular el material, nos dice que él está detrás de todo esto, se convierte en una especie de manifiesto de un cineasta que forma parte de la sociedad trabajadora. Al mismo tiempo muestra a la clase obrera, al buen y al mal obrero.

El montaje es el principal vehículo de Vertov para lograr las analogías que desea, como la secuencia en que se alterna a Svilova editando y a llos fotogramas tomar vida. El cine está vivo y se mueve. El cine se convierte en una posibilidad de análisis más que de mostrar la realidad. A través del cine podemos no sólo mostrar, sino analizar concienzudamente un tema e incluso invitar al análisis de ese mismo tema. Esto es parte de lo que yo considero un documental. Parte de la efectividad de este montaje es el ritmo de edición que maneja. El ritmo y la secuencia de imágenes las vemos como algo contemporáneo. Es tan acelerado el ritmo que podríamos decir que fue editado hoy mismo. Es parte de lo vanguardista que logra ser Vertov.  Como ejemplo podríamos tomar la secuencia de la pareja que se divorcia, el funeral, el bebe…. todo esto que forma parte del ciclo de la vida humana.